• Un poco de contexto

Las películas mexicanas de la Época de Oro son quizá las más importantes de la cinematográfica en México pues comprenden escenas que han marcado tendencias en el séptimo arte. Ésta época comprende las películas producidas entre 1931 y 1959, años en que las producciones mexicanas alcanzaron un nivel de calidad técnico y de contenido.

Las temáticas eran muy variadas, desde melodramas, cintas cómicas hasta la exposición más íntima de la cultura mexicana a través de historias ambientadas en la Revolución Mexicana, posteriormente mostrando la esencia de nuestras costumbres con el clásico estereotipo del charro mexicano, produciendo filmes que fueron evolucionando hasta una década mágica que toma de contexto a la Ciudad de México en los años 50’s con sus pachucos, danzones y cabarets.

 

El éxito de ésta época se debió a una circunstancia principal, la Segunda Guerra Mundial. Estados Unidos y Europa habían albergado hasta ese momento a las casas productoras más grandes de filmes en todo el mundo, pero dieron mayor importancia al conflicto, se enfocaron en invertir recursos materiales, económicos y humanos a la guerra dejando de lado lo demás. Esto ocasionó que México abarcara con total libertad un mercado muy vasto, y que alcanzara un rápido éxito y contundente. América Latina acogió de muy buena manera las producciones. Muchos artistas de la época triunfaron en las principales ciudades industriales donde se desarrollan filmes de calidad como en Hollywood y París. Así mismo, México se volvió meta de muchos extranjeros que deseaban crear su carrera en el séptimo arte.

 

El inicio de los años dorados

A lo largo de la década de los años cuarentas el cine mexicano vivió un esplendor. Ganaba gran relevancia en el ámbito internacional, tal como sucedió en 1946 en el marco de la primera edición del Festival de Cannes, donde participó y obtuvo la Palma de Oro con la película María Candelaria (1946) bajo la dirección de Emilio Fernández y con la fotografía a cargo de Gabriel Figueroa. Además, ese mismo año fue fundada la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC), que a su vez creó el Premio Ariel, con el propósito de reconocer los méritos de la cinematografía mexicana. La primera ceremonia de premiación se llevó a cabo el 15 de mayo de 1947.

 

Por fuera, las tensiones bélicas de la Segunda Guerra Mundial limitaban la producción fílmica de las industrias norteamericanas y europeas, de manera que los pocos estrenos de filmes foráneos, contrastaron con el florecimiento de nuevos títulos mexicanos. En este contexto, el cine nacional alcanzó horizontes nunca antes vistos.

 

Durante los mandatos del general Manuel Ávila Camacho (1940 a 1946) y de Miguel Alemán Valdés, (1946 a 1952); el séptimo arte adquirió peculiar relevancia dado que el ingreso de las producciones nacionales al mercado internacional impactaron notablemente a la economía mexicana, al grado de convertirse en una de las principales industrias del país. Por este motivo el 1 de abril de 1941 surgió el Departamento de Supervisión Cinematográfica, organismo encargado de evaluar y autorizar la exhibición de las películas comerciales en todo el país; un año después, gestionó un acuerdo para sustentar cuatro vías de apoyo a la cinematografía nacional: proporcionar apoyo financiero para la producción, facilitar el uso de maquinaria y tecnología, llamar a la formación de una comunidad de expertos y técnicos para laborar en la realización y lograr la distribución mundial de los filmes nacionales.

 

De este modo, un escenario alentador se tendió ante los realizadores deseosos de filmar quienes desde 1942 también contaron con el Banco Cinematográfico S.A., un organismo dedicado a administrar el dinero generado por y para las películas nacionales.  Adicionalmente, es importante mencionar que fue también durante los años cuarenta que fueron construidos los estudios cinematográficos más productivos de la época, tal como los Estudios Churubusco y Estudios Cuauhtémoc, en 1945, un año después los Estudios Tepeyac, y finalmente México Films, en 1947.

 

La nueva escena del cine mexicano

El éxito alcanzado con Allá en el rancho grande (1936), abrió paso a una oleada de producciones que se distinguieron por explorar nuevos caminos a través de la adaptación literaria, la comedia musical, además de ficciones que priorizaron la exaltación nacionalista como tema central o un reencuentro nostálgico con los tiempos de lucha revolucionaria. Por su parte, la aproximación a escenarios que mostraron las carencias de la sociedad mexicana a través de melodramas urbanos también tuvieron gran presencia. Así, de esta amplia variedad de contenidos y líneas temáticas, emergieron aquellas figuras emblemáticas que constituyeron el “star system mexicano”, del que destacaron nombres como el de Pedro Infante, María Félix, Jorge Negrete, Dolores Del Río, Luis Aguilar, Sara García, además de una nueva generación de realizadores encabezada por Emilio Fernández, Julio Bracho, Roberto Gavaldón, Ismael Rodríguez, entre otros. También destaca el cinefotógrafo Gabriel Figueroa, quien contribuyó en la conformación de una estética visual de la mexicanidad. Además el cine involucró a más personajes de distintos ámbitos del país; de esta forma importantes escritores, pintores, compositores y miembros de la comunidad cultural participaron intensamente. Todos contribuyeron a que el cine mexicano se consolidara como una industria sustentable, con la capacidad de generar ganancias para reinvertir en producción, difusión y exhibición.

 

El melodrama ranchero

Uno de los géneros más populares fueron las historias desarrolladas en el entorno rural y las rancherías, las cuales en más de una ocasión presentaron imágenes que se asentaron como un elemento icónico de la identidad mexicana: locaciones en entornos naturales con campos abiertos, lagos y lagunas, así como pueblos con belleza arquitectónica. Uno de los ejemplos relevantes tiene fecha de 1935 con Janitzio, dirigida por Carlos Navarro. Aquí se narró la historia de Zirahuén, un pescador del lago de Pátzcuaro, Michoacán, quien lidia con otros hombres que pretenden invadir su lugar de trabajo, mientras que otro personaje busca acercarse a la mujer del pescador. El papel protagónico estuvo en manos Emilio Fernández, acompañado por la actriz María Teresa Orozco y Gilberto González.

Otro ejemplo de este esquema argumental es ¡Ay, Jalisco, no te rajes! (1941), de Joselito Rodríguez; ficción en la que Salvador Pérez, interpretado por Jorge Negrete, es un huérfano criado por un peón y un cantinero, que al crecer jura vengar la muerte de sus padres, aunque en el proceso conoce y se enamora de Carmela, una mujer a punto de casarse a disgusto, sólo para salvar a su padre. El encuentro de ambos cambia el rumbo de sus vidas. 

Dos años después, en 1943, Emilio Fernández dirigió su tercer largometraje Flor silvestre, producción en la que reclutó a un elenco compuesto por estrellas como Dolores del Río, Pedro Armendáriz, Miguel Ángel Ferriz. En conjunto dieron vida al romance y aventura entre José Luis, hijo de un hacendado que se enamora de Esperanza, una humilde campesina, razón por la que el padre del joven se enfada y le deshereda. Los enamorados parten en busca de un nuevo destino, pero en el camino tendrán que enfrentar a ciertos personajes que amenazan su tranquilidad.

 

En 1946, Emilio Fernández confirmó su importante labor de cineasta al realizar Enamorada (1946), filme que obtuvo el Premio Ariel como Mejor Película. Asimismo, el filme contó con la fotografía a manos de Gabriel Figueroa, y la actuación de una de las parejas más emblemáticas: María Félix y Pedro Armendáriz. La película se ubicó en los años revolucionarios, en la ciudad de Cholula, Puebla, donde el general José Juan Reyes se enamora de Beatriz Peñafiel, hija de uno de los hombres más ricos de la localidad.

 

Ese mismo año, Los tres García (1946), de Ismael Rodríguez, desarrolló un relato sobre tres primos encarnados por Pedro Infante, Abel Salazar y Víctor Manuel Mendoza, quienes compiten por la atención de Lupita Smith, recién llegada de Estados Unidos. Más adelante, La perla (1947), de Emilio Fernández, se convirtió en la primera producción mexicana en ganar un Globo de Oro en la categoría de Mejor Fotografía, también de Gabriel Figueroa. En la película, la desesperación de Quino y Juana afloran luego de que un alacrán ataca a su hijo, sin embargo el doctor del pueblo se niega a atenderlos. Un día, durante una jornada de pesca, Quino encuentra una hermosa perla con la que ve la oportunidad de superar la precaria situación que aqueja a su familia, por lo que buscará vender la perla. 

Finalmente, rumbo al fin de la década, se estrenó Pueblerina (1948), también de Emilio Fernández. En esta ocasión se cuenta la historia de Aurelio, quien tras cumplir con una condena por vengar la violación de su novia, vuelve para intentar rehacer su vida, sin embargo, a su regreso se entera que su novia y su hijo han sido exiliados del pueblo. Esta historia fue nominada a la Palma de Oro en Cannes y resultó indiscutible ganadora de Mejor actuación, Mejor fotografía y Mejor música en los Premios Ariel.

Dramas urbanos

Desde otro ángulo, los relatos que tuvieron como escenario las calles de las ciudades alrededor del país y la capital, también se colocaron como grandes éxitos en el cine mexicano. Taquilleras de esa época destacan ¡Ay, qué tiempos, señor don Simón! (1941), de Julio Bracho y con la participación de la actriz Mapy Cortés, Joaquín Pardavé y Arturo de Córdoba. Con una aceptación similar por parte del público, Cuando los hijos se van (Juan Bustillo Oro, 1941) ofreció un relato protagonizado por Sara García y Joaquín Pardavé, en el que Raymundo se ve afectado por las calumnias de su hermano José al ser acusado injustamente de robo, hecho que genera el repudio de su padre, y después de su novia. Sin embargo, la única que no pierde la fé en él es su madre, doña Lupita.

Ya superada la mitad de la década, Campeón sin corona (1946), bajo la dirección de Alejandro Galindo, llegó a los cines del país. La narración parte de la trayectoria del pugilista Roberto “Kid Terranova”, quien pasó de ser un humilde nevero a debatirse grandes títulos en el ring. Sin embargo, su reto más grande llega cuando tiene que enfrentar al peleador estadounidense Joe Ronda. Para entonces, este filme logró el reconocimiento nacional al ser condecorado con cuatro Premios Ariel durante su primera edición en 1947.

Ese año concluyó la filmación de Nosotros los pobres (1948), en la dirección de Ismael Rodríguez. La película centra su relato en la pobreza de los barrios de la ciudad con personajes que se convirtieron en referentes de la identidad de los habitantes de suburbios capitalinos. Comienza cuando dos niños encuentran un libro en el que descubren la historia de una comunidad pobre ubicada en la Ciudad de México. Ahí viven los personajes principales, entre ellos el carpintero Pepe “El Toro”, su hija Chachita, su madre, y su pareja apodada “La Chorreada”. El conflicto se desarrolla cuando Pepe es injustamente acusado de asesinato, pero siempre cuenta con el apoyo del barrio. Del mismo modo, en esta historia destacan otros personajes que se proyectan como sujetos marginados que habitan las calles, tal como “La Tostada”, encarnada por Delia Magaña, y “La Guayaba” (Amelia Wilhelmy). Posteriormente, se estrenó la secuela Ustedes los ricos (1948), donde Pepe está casado con La Chorreada y Chachita conoce a su verdadera abuela, una mujer adinerada, que busca alejarla del barrio e insertarla en una vida totalmente distinta. Además, “El Tuerto”, quien es el verdadero culpable del asesinato del que se acusó a Pepe, escapa de prisión y en venganza causa un incendio en el que muere “El torito”, hijo del carpintero.

Uno de los aspectos más reconocidos fue el sentido de solidaridad ante lo adverso, señal que se encuentra también en Salón México (1949), dirigida por Emilio Fernández. La narración comienza en el ambiente del cabaret en el que trabaja Mercedes Gómez (Marga López) para ofrecer una buena educación a su hermana menor Beatriz (Silvia Derbez). El curso de la historia cambia cuando Mercedes junto a su jefe Paco (Rodolfo Acosta), ganan un concurso de danzón y éste pretende quedarse con el dinero, por lo que la mujer roba el premio.

Ya en la década de los años cincuenta, surgió Víctimas del pecado (1951), como uno de los primeros estrenos importantes. Aquí una cabaretera llamada Rosa es forzada a deshacerse de su recién nacido, por lo que su compañera Violeta (Ninón Sevilla), recoge al niño para criarlo. Los dos viven bajo el cuidado de Rodolfo, dueño del cabaret. El caos alcanza su punto máximo cuando Santiago, el hombre responsable de despojar a la madre de su bebé, mata a Rodolfo.

Literatura en el cine

Uno de los ejemplos más representativos de este nexo recae en la figura del escritor venezolano Rómulo Gallegos, cuyas letras cimentaron las bases de historias como Doña Bárbara (1943), dirigida por Fernando de Fuentes a partir de la novela homónima. En la historia, Doña Bárbara es una mujer que con el paso de los años ha defendido a mano dura su reputación y sus tierras, por lo que quienes la conocen, la respetan y hasta le temen. Pero dicha condición se ve afectada por el regreso del terrateniente Santos Luzardo, de quien Bárbara se enamora.

También escrita por Gallegos se encuentra La trepadora (1944), bajo la dirección de Gilberto Martínez Solares. Aquí se relata la llegada de Hilario a la hacienda de Don Jaime; donde su hijo Jaimito es el encargado de la administración. Sin embargo la irresponsabilidad de éste provoca la desconfianza de su padre, quien decide encomendar el puesto al recién llegado. La muerte del viejo da inicio a una carrera por el apoderamiento de la hacienda. Más tarde, Cantaclaro (1945) bajo la dirección de Julio Bracho, se presentó como una ficción sobre un cantante que viaja por Venezuela para generar nuevas experiencias y sumar más canciones. En el camino conoce al Doctor Payara, quien con amabilidad le ofrece hospedaje. Al poco tiempo, el cantor se enamora de la hija de Payara, pero pronto descubre un secreto que complica sus sentimientos.

 

Comedias

El inicio de los cuarentas también fue inaugurado por películas de comedia, donde destacó la participación de Mario Moreno y su personaje Cantinflas, además de Germán Valdés “Tin-Tan”, dos de las figuras más representativas del género en México y el mundo. Al inicio de la década se estrenó Ahí está el detalle (Juan Bustillo, 1940), primera película en la que Mario Moreno usó el nombre de Cantinflas, y encarnó al "pelado" que evita toda responsabilidad y falta el respeto a las instituciones.

Al final de la década, las pantallas abrieron espacio para Calabacitas tiernas (1948), de Gilberto Martínez Solares, en la que Tin-Tan finge ser un empresario en la ruina, con el objetivo de deshacerse de sus acreedores. Con esta estrategia, el protagonista también aprovecha para presentar un espectáculo musical que involucra a distintas mujeres, quienes más adelante discuten por el amor del cómico, pero en la historia él siempre está enamorado de Rosita Quintana.

El rey del barrio (Gilberto Martínez Solares, 1950) también se ubicó entre los estrenos memorables de comedia que tuvieron lugar a mitad de siglo, Nuevamente Tin-Tan se presenta pero ahora en el papel de un ferrocarrilero y líder de una pandilla de ladrones que se hacen pasar por pintores, cantantes y músicos, para ganar la confianza de mujeres adineradas y así extraer su fortuna. La historia presenta un giro cuando una de las víctimas se enamora de el Rey del barrio y expresa su deseo por casarse con él.

Declive

En la primera mitad de la década de los cincuentas se acentúo una crisis en la producción nacional que se desarrolló a raíz del fin de la guerra y la reincorporación de los filmes europeos y norteamericanos al mercado. La competencia, cada vez más ardua, presionó a la industria mexicana a replantear su dinámica de operaciones, optando por una estrategia de producción más rápida y barata, pero que afectó directamente a la calidad lograda en años anteriores. Con esto se perdió aquella diversidad de contenidos que caracterizaron a la Época de Oro, cayendo en una repetición en el tratamiento de temas y estructuras narrativas que adoptaron el nombre de “churros”.

No obstante, en 1953, Eduardo Garduño, al frente del Banco Nacional Cinematográfico buscó revertir dicha crisis a través de un proyecto conocido como “plan Garduño”, enfocado a desarrollar meramente un cine con mayor calidad, es decir, con una inversión más grande y con la participación de reconocidas figuras del medio. El plan propuesto por Garduño logró su cometido, pero también desembocó en un rezago de estrenos debido a que el total de producciones concluidas no pudo ser proyectado en los cines del país, generando el fenómeno de “enlatamiento” . El escenario planteado por el cine mexicano nuevamente se encontraba en plena transformación y hacia 1959 ya solo operaban los Estudios Churubusco-Azteca y los Estudios América. Ese mismo año, a causa de continuos desacuerdos entre cineastas y productoras, fue suspendida la entrega de los Premios Ariel, misma que se retomó hasta 1972.